Agenda

Au programme :
> Vendredi 7 novembre à 14h30
"Élégantes des marais" (13 min) & "Avifaune du Plan de la Garde" (42 min)
Deux joyaux de Provence pour plonger au cœur de la nature varoise et de sa faune exceptionnelle.

> Vendredi 14 novembre à 14h30
"Trésor du Costa Rica" (58 min)
Un voyage immersif au pays des aras, toucans, paresseux et colibris, où la beauté sauvage s’offre sans filtre.

Ces deux séances seront suivies d’un échange avec le réalisateur.

> Vendredi 21 novembre à 14h30
"La ferme des Bertrand" de Gilles Perret (89 min)
Une chronique émouvante sur la transmission et la mémoire paysanne à travers 50 ans de vie rurale.

> Vendredi 28 novembre à 14h30
"La disparition des lucioles" de Vincent Marie (52 min)
Une exploration poétique des campagnes françaises en mutation, entre art, paysage et réflexion sociale.

Entrée libre.

Pour préparer les fêtes de fin d'année, je vous invite à découvrir mon travail dans mon atelier galerie situé 57 rempart Berluc Pérussis à deux pas de la cathédrale : peintures, dessins, aquarelles, pastels, gravures à l'eau-forte, pointe sèche, burin, linogravure, xylographie. C'est avec un grand plaisir que je vous dévoilerai
mon univers poétique, rempli de douceur et d'harmonie.

Si des romans comme Feu Mattia Pascal ou Un, personne, cent mille, sont exemplaires de cette recherche, c’est dans le théâtre qu’elle trouve son expression la plus naturelle : le théâtre étant le lieu de l’illusion, Pirandello se fait dramaturge pour tenter de montrer que les masques sociaux qui se superposent en créant des identités multiples, empêchent les êtres de vivre pleinement, enfermés qu’ils sont dans une forme figée.

Dans sa trilogie (1921-1928) Pirandello enrichit sa réflexion sur l’identité en la mêlant à celle sur le lien entre texte et scène. Reprenant à son compte l’idée symboliste selon laquelle les chefs-d’œuvre meurent sur scène, Pirandello tentera de trouver un remède à la dégradation que subit, selon lui, le texte lorsque les comédiens s’en emparent

Dans un premier temps, au départ du village du Tholonet, on arpentera les chemins de Cezanne à travers la garrigue, ponctués par des analyses de ses œuvres. C'est au pied de la Sainte-Victoire qu'il est venu poser son chevalet.
Elodie, guide conférencière spécialiste du peintre, vous racontera son histoire, ses méthodes picturales et pourquoi il a choisi de s'établir autour des carrières de Bibémus les 10 dernières années de sa vie.

En seconde partie de balade, une fois arrivés sur le plateau de Bibémus, on installera votre matériel en extérieur devant le motif choisi, et Emmanuelle Ricochastel, artiste peintre diplômée de la faculté d'Aix-en-Provence et de Paris IV, vous initiera à la création sur le motif, comme au temps des impressionnistes du XIXe siècle.
A chaque sortie, vous pourrez vous essayer à une technique différente (fusain, pastels secs, pastels gras, peinture), dans les lieux du plateau de Bibémus (pinède, falaise, balcons). Venez vivre l'expérience de l'impression sensorielle à l'expression artistique en pleine nature.

Equipement : chaussures de marche (marche avec dénivelé), eau, pique-nique, matériel de peinture si vous avez le vôtre, sinon il peut être fourni sur demande.

? Visite guidée à pied
? Langue : en français et en anglais
? Durée : 3h
? Matériel : chaussures de marche, eau, pique-nique à prévoir lors des sorties coucher de soleil en été.

Réservations auprès des conseillers en séjour de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence ou sur le site de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence.

Des Antilles à la Réunion, en passant par Saint-Pierre-et-Miquelon ou Mayotte, voyagez tout autour du monde à travers une série de concerts, spectacles, contes, expositions et ateliers culinaires.

Programme détaillé disponible ci-dessous :

Ho Tzu Nyen est un artiste, cinéaste et metteur en scène singapourien, reconnu comme l'un des artistes les plus novateurs à avoir émergé sur la scène internationale au cours des vingt dernières années.

Ancré dans les contextes historiques et culturels de l'Asie de l'Est et du Sud-Est, il crée des installations vidéo captivantes, qui mobilisent un large éventail de techniques pour explorer et brouiller les frontières entre réalité et mythe, histoire et fiction. Jour spectral et contes étranges réunit cinq installations multimédia couvrant plus d'une décennie de création.

De l'usage de la caméra et de la lentille et l'intégration d'archives visuelles, à l'utilisation de l'animation, de systèmes de montage algorithmique et de processus d'intelligence artificielle (IA), les expérimentations technologiques de Ho Tzu Nyen servent une réflexion critique sur la manière dont les histoires – étatiques, culturelles ou personnelles – sont sans cesse imaginées, construites, négociées et performées. Puisant dans l'hétérogénéité des cultures d'Asie du Sud-Est, ses œuvres convoquent et déploient des sujets allant des mythes précoloniaux aux épisodes de la colonisation, des dynamiques géopolitiques contemporaines aux représentations d'un présent hybride et instable. Ho est un conteur, qui ne cesse de remodeler ses récits, tout autant que les moyens de les raconter. C'est pourquoi les thèmes, les motifs et les personnages migrent d'une œuvre à une autre, formant un univers dense, souvent halluciné. Une ébauche de cet univers peut être entrevue dans le diagramme présenté à gauche: il s'agit du script original de Ten Thousand Tigers [Dix mille tigres], une pièce de théâtre qu'il a écrite et mise en scène en 2014, et qui continue d'influencer ses œuvres les plus récentes.

Au cœur de l'exposition se trouve la toute dernière œuvre de Ho, Phantoms of Endless Day, une installation commandée pour l'exposition à LUMA Arles. Ce projet puise dans la matière de Endless Day, un long-métrage entamé en 2011 mais resté inachevé, dont les thèmes et les personnages ont néanmoins hanté ses vidéos et films au cours de la décennie suivante. Utilisant un ensemble de processus d'intelligence artificielle qui montent, séquencent et recréent images et sons à partir des matériaux d'origine, Phantoms of Endless Day nous plonge dans une succession de lignes temporelles alternatives, brouillant les frontières entre mythe, mémoire, histoire et fantastique. Fidèle à l'approche interdisciplinaire de Ho, l'installation remet en question notre compréhension du temps, de la perception et du récit.

Cette nouvelle œuvre peut être vue comme une tentative de Ho de refermer une boucle, et de développer un langage cinématographique hybride fondé sur les dernières possibilités offertes par les technologies algorithmiques et l'intelligence artificielle. Le résultat est une expérience hallucinatoire, un gothique tropical, où des voix générées par IA ne racontent pas une histoire unique, mais suggèrent une multiplicité de narrations.

Phantoms of Endless Day est une tentative de rédemption et de réinvention du passé en nouveaux futurs possibles. Prolongeant l'intérêt distinctif de Ho Tzu Nyen pour l'exploration des histoires fragmentées, de la pensée philosophique et de la complexité narrative, l'œuvre devient une lentille inédite à travers laquelle expérimenter son univers visuel et sonore si singulier. Aux côtés de plusieurs œuvres majeures de l'artiste, The Nameless (2015), The Name (2015), One or Several Tigers (2017), Hotel Aporia (2019), et T for Time (2023- en cours), cette exposition révèle une pratique profondément ancrée dans un univers à la fois dense et interconnecté, qui résiste à la simple contemplation pour proposer une expérience à la fois émotionnelle intellectuelle, fluide et infiniment générative.

En 2009, les Rencontres de la photographie d’Arles révélaient au public arlésien dans une exposition organisée au Parc des Ateliers, l’univers de David Armstrong sous le commissariat de Nan Goldin, alors directrice artistique invitée.

Quinze ans plus tard, son œuvre revient à Arles à l’occasion de cette nouvelle exposition présentée par LUMA Arles. Plus qu’un simple portraitiste, Armstrong, disparu en 2014, a capté l’essence d’une génération et une certaine attitude face à la vie, qu’il a immortalisées dans une série d’images aussi intimes que saisissantes. Dès ses débuts, Armstrong s’est attaché à photographier son époque et ses proches.

Dans les années 1970, il étudia la photographie à l'École du Musée des Beaux-Arts de Boston. Il s'associa à un groupe plus large d'artistes d'avant-garde, dont Nan Goldin, Philip-Lorca DiCorcia, Gail Thacker, Mark Morrisroe, Tabboo! et Jack Pierson, connu sous le nom d'École de Boston. Ses premières photographies en noir et blanc dressent le portrait d'une jeunesse à la fois introspective et rebelle, incarnant une forme de liberté fragile et magnétique. Son œuvre est un véritable document d'époque, une archive qui respire la beauté, celle d'un New York qui n'existe plus. Un New York en tant qu'attitude, au-delà de l'Empire State Building, des cartes postales et des innombrables scènes de films tournées dans ses rues effrénées ou de ses panneaux publicitaires géants. Son New York est une promesse, un havre pour les laissés-pour-compte, pour les artistes, les poètes, les musiciens et la bohème en tout genre. L'exposition montre comment, dès le début, Armstrong n'a pas simplement dépeint des personnes, mais une posture face à la vie et ses déboires - une attitude enivrée et exubérante, désenchantée et oisive. Ces portraits frappent encore aujourd'hui par leur franchise : pas de filtre, pas de mensonge. ces hommes et ces femmes ont confronté l'objectif avec un œil séducteur et libre.

Ces paysages vaporeux forment un contrepoint à ces portraits, ils se font bien plus atemporels. Armstrong immortalise des lieux qu’il arpente aux détours de sa vie, des panoramas qu’il semble saisir à la sauvette. C’est à la fin des années 1980 qu’il les réalise, en pleine explosion de l’épidémie de sida. Il faut les regarder à travers le prisme de cet immense drame : ce sont des memento mori. Ces œuvres nous rappellent la fugacité de l’existence.

À travers cette grande exposition, LUMA Arles célèbre à nouveau le regard singulier de David Armstrong, son esthétique mélancolique, ainsi que son influence durable sur la photographie contemporaine. Une immersion dans l’œuvre d’un artiste qui, bien au-delà du portrait, a su traduire une époque et un état d’esprit sur papier glacé.

Cette exposition qu’il faut autant écouter que regarder, nous amène à la rencontre de femmes et d’hommes, à la découverte de leurs passions et de leurs savoir-faire. Chaque visage, chaque voix, raconte l’attachement profond à un territoire, la fierté d’expérimenter et la volonté de transmettre un patrimoine vivant. Cette exposition s’inscrit dans le cadre du programme européen Leader. Elle met en lumière les initiatives inspirantes de 18 porteurs de projets, qui relèvent avec inventivité les défis de notre temps.

Séance de 1h15 comprenant : méditation, postures, techniques de respiration et relaxation guidée proposée par Mathilde, professeure de yoga diplômée par Yoga Alliance France.

Initié par Neïl Beloufa, EBB invite artistes, auteur·ices et cinéastes à expérimenter avec les technologies qui façonnent nos vies numériques à l’heure de l’économie de l’attention.

Le long d’un réseau d’infrastructures numériques et physiques dans le Parc des Ateliers et La Tour, des histoires se déploient et transforment la visite de LUMA Arles en un voyage narratif dirigé par les visiteurs. Me Time mène à une salle de projection interactive et immersive affichant des médias personnalisés qui manifestent l’imagination du spectateur d’une manière imprévisible.

Dans le cadre d’une recherche au long cours sur l’utilisation de l’innovation au service de la vision des artistes, cette initiative présente des technologies telles que l’IA générative, la gestion de la confidentialité des données, les algorithmes de recommandation et la personnalisation de l'information, en les rendant accessibles et exploitables. Sous la forme d’une expérience ludique, ce projet offre un espace de production culturelle expérimentale permanente, et un usage créatif de la technologie dirigé par les artistes eux-mêmes.

Tony Oursler : Sibyl

Pour cette seconde édition, Tony Oursler (né aux États-Unis en 1957) présente Sibyl, un oracle en constante évolution qui fusionne prédictions futuristes, théories du complot et mythologies provençales. À mi-chemin entre jeu d'arcade et apparition étrange, ce voyant fantomatique déclame des prédictions sur mesure, oscillant entre spéculations scientifiques actuelles et phénomènes occultes historiques. En exploitant la capacité de l'intelligence artificielle à générer ces récits complexes et entremêlés, Oursler examine de manière critique le rôle de la technologie dans la construction des systèmes de croyances contemporains, de la pensée magique et de leurs codes esthétiques.

Depuis le début des années 1990, KOO JEONG A travaille à la croisée de l’art, de la science et de la métaphysique, réalisant des œuvres qui amplifient la perception et nous relient aux forces invisibles qui habitent le réel.

Entre précision conceptuelle et expérience sensorielle intime, ses créations cultivent l’éphémère, la transformation et l’entropie, donnant naissance à des environnements aussi minimalistes que profondément affectifs.

KOO JEONG A est connue pour son approche synesthésique et sa pratique multiforme, où coexistent dessin, peinture, sculpture, installation, film, son, animation, réalité augmentée et architecture. En intégrant des éléments immatériels tels que la lumière, les variations de température, les odeurs ou les sons, l’artiste a développé un lexique formel multisensoriel qui nous invite à dépasser le registre purement visuel.

La plus vaste exposition consacrée à KOO JEONG A en France à ce jour, LAND OF OUSSS [KANGSE] réunit des œuvres majeures et des créations inédites, réalisées entre 2007 et aujourd’hui. Sculptures, installation olfactive, peintures phosphorescentes et dessins à l’encre intimistes composent un parcours qui prolonge les recherches de l’artiste autour du mouvement, de l’apesanteur, de la lévitation et des vides. « OUSSS », terme inventé par KOO JEONG A, se décline en son, substance, être ou lieu tout à la fois physique et mental, territoire personnel et mouvant.

KOO JEONG A réalise fréquemment des œuvres in situ qui associent forces invisibles et phénomènes naturels – gravité, champs magnétiques, phosphorescence – à des idées spéculatives, des imaginaires étranges et des souvenirs intimes. Déployée sur deux niveaux de La Tour, l’exposition comprend [KANGSE SpSt] (2024), une figure en lévitation diffusant des odeurs qui nous accueille dans le Drum de LUMA Arles, et une série de sculptures en bois finement façonnées selon la logique du ruban de Möbius. Les installations dialoguent avec l’esthétique monumentale de Frank Gehry et l’histoire d’Arles, donnant lieu à un jeu subtil d’échos et de reflets. Les sculptures rocheuses in situ [EVER] [VAST] (2025) résonnent avec la structure sinueuse de La Tour, elle-même inspirée par les amas de rochers élancés des Alpilles voisines. [SEVEN STARS] (2020), une série de peintures luminescentes, évoque quant à elle inévitablement La Nuit étoilée (1889) de Van Gogh.

Par des gestes imperceptibles et des installations immersives à grande échelle dans l’espace public, KOO JEONG A tisse des cosmologies sensibles qui troublent nos perceptions habituelles du temps, de l’espace et de la matérialité, ouvrant des portails vers des dimensions alternatives. L’univers d’« OUSSS » dessine un espace énigmatique où s’entrelacent matières telluriques et cosmiques, invitant à repenser notre relation aux éléments invisibles qui forment notre réalité.