Agenda

Dans un premier temps, au départ du village du Tholonet, on arpentera les chemins de Cezanne à travers la garrigue, ponctués par des analyses de ses œuvres. C'est au pied de la Sainte-Victoire qu'il est venu poser son chevalet.
Elodie, guide conférencière spécialiste du peintre, vous racontera son histoire, ses méthodes picturales et pourquoi il a choisi de s'établir autour des carrières de Bibémus les 10 dernières années de sa vie.

En seconde partie de balade, une fois arrivés sur le plateau de Bibémus, on installera votre matériel en extérieur devant le motif choisi, et Emmanuelle Ricochastel, artiste peintre diplômée de la faculté d'Aix-en-Provence et de Paris IV, vous initiera à la création sur le motif, comme au temps des impressionnistes du XIXe siècle.
A chaque sortie, vous pourrez vous essayer à une technique différente (fusain, pastels secs, pastels gras, peinture), dans les lieux du plateau de Bibémus (pinède, falaise, balcons). Venez vivre l'expérience de l'impression sensorielle à l'expression artistique en pleine nature.

Equipement : chaussures de marche (marche avec dénivelé), eau, pique-nique, matériel de peinture si vous avez le vôtre, sinon il peut être fourni sur demande.

? Visite guidée à pied
? Langue : en français et en anglais
? Durée : 3h
? Matériel : chaussures de marche, eau, pique-nique à prévoir lors des sorties coucher de soleil en été.

Réservations auprès des conseillers en séjour de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence ou sur le site de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence.

En 2009, les Rencontres de la photographie d’Arles révélaient au public arlésien dans une exposition organisée au Parc des Ateliers, l’univers de David Armstrong sous le commissariat de Nan Goldin, alors directrice artistique invitée.

Quinze ans plus tard, son œuvre revient à Arles à l’occasion de cette nouvelle exposition présentée par LUMA Arles. Plus qu’un simple portraitiste, Armstrong, disparu en 2014, a capté l’essence d’une génération et une certaine attitude face à la vie, qu’il a immortalisées dans une série d’images aussi intimes que saisissantes. Dès ses débuts, Armstrong s’est attaché à photographier son époque et ses proches.

Dans les années 1970, il étudia la photographie à l'École du Musée des Beaux-Arts de Boston. Il s'associa à un groupe plus large d'artistes d'avant-garde, dont Nan Goldin, Philip-Lorca DiCorcia, Gail Thacker, Mark Morrisroe, Tabboo! et Jack Pierson, connu sous le nom d'École de Boston. Ses premières photographies en noir et blanc dressent le portrait d'une jeunesse à la fois introspective et rebelle, incarnant une forme de liberté fragile et magnétique. Son œuvre est un véritable document d'époque, une archive qui respire la beauté, celle d'un New York qui n'existe plus. Un New York en tant qu'attitude, au-delà de l'Empire State Building, des cartes postales et des innombrables scènes de films tournées dans ses rues effrénées ou de ses panneaux publicitaires géants. Son New York est une promesse, un havre pour les laissés-pour-compte, pour les artistes, les poètes, les musiciens et la bohème en tout genre. L'exposition montre comment, dès le début, Armstrong n'a pas simplement dépeint des personnes, mais une posture face à la vie et ses déboires - une attitude enivrée et exubérante, désenchantée et oisive. Ces portraits frappent encore aujourd'hui par leur franchise : pas de filtre, pas de mensonge. ces hommes et ces femmes ont confronté l'objectif avec un œil séducteur et libre.

Ces paysages vaporeux forment un contrepoint à ces portraits, ils se font bien plus atemporels. Armstrong immortalise des lieux qu’il arpente aux détours de sa vie, des panoramas qu’il semble saisir à la sauvette. C’est à la fin des années 1980 qu’il les réalise, en pleine explosion de l’épidémie de sida. Il faut les regarder à travers le prisme de cet immense drame : ce sont des memento mori. Ces œuvres nous rappellent la fugacité de l’existence.

À travers cette grande exposition, LUMA Arles célèbre à nouveau le regard singulier de David Armstrong, son esthétique mélancolique, ainsi que son influence durable sur la photographie contemporaine. Une immersion dans l’œuvre d’un artiste qui, bien au-delà du portrait, a su traduire une époque et un état d’esprit sur papier glacé.

Lloyd Cole, artiste britannique aux talents multiples, illumine le paysage musical depuis les années 1980. Né le 31 janvier 1961 à Buxton, en Angleterre, ce chanteur et compositeur prolifique fait ses débuts sur la scène internationale avec son groupe Lloyd Cole and the Commotions en 1984. Leur premier album, "Rattlesnakes", marque d'emblée leur entrée fracassante dans le monde de la musique, révélant au grand jour leur génie créatif et leur sensibilité artistique.

Naviguant entre pop, rock et folk, Lloyd Cole forge un univers musical empreint d'élégance et de mélancolie. Ses textes poétiques et introspectifs, mis en valeur par des mélodies envoûtantes, font écho aux questionnements et aux aspirations de toute une génération. Parmi ses œuvres marquantes, on retrouve des titres tels que "Perfect Skin" et "Are You Ready to Be Heartbroken?", qui témoignent de son talent d'écriture et de sa maîtrise mélodique.

Après la séparation de son groupe en 1989, Lloyd Cole entame une carrière solo fructueuse, à l'origine de plusieurs albums acclamés, dont "Lloyd Cole" (1990), "Guesswork" (2019) et "On Pain" (2023) confirmant ainsi sa place de figure majeure de la scène musicale internationale.

L'identité artistique de Lloyd Cole repose sur un savant mélange de classicisme et de modernité, alliant des influences musicales variées à une approche sincère et authentique de la création. Son charisme et sa voix inimitable en font un artiste profondément attachant, qui parvient à captiver et émouvoir les auditeurs à travers les décennies.

Depuis le début des années 1990, KOO JEONG A travaille à la croisée de l’art, de la science et de la métaphysique, réalisant des œuvres qui amplifient la perception et nous relient aux forces invisibles qui habitent le réel.

Entre précision conceptuelle et expérience sensorielle intime, ses créations cultivent l’éphémère, la transformation et l’entropie, donnant naissance à des environnements aussi minimalistes que profondément affectifs.

KOO JEONG A est connue pour son approche synesthésique et sa pratique multiforme, où coexistent dessin, peinture, sculpture, installation, film, son, animation, réalité augmentée et architecture. En intégrant des éléments immatériels tels que la lumière, les variations de température, les odeurs ou les sons, l’artiste a développé un lexique formel multisensoriel qui nous invite à dépasser le registre purement visuel.

La plus vaste exposition consacrée à KOO JEONG A en France à ce jour, LAND OF OUSSS [KANGSE] réunit des œuvres majeures et des créations inédites, réalisées entre 2007 et aujourd’hui. Sculptures, installation olfactive, peintures phosphorescentes et dessins à l’encre intimistes composent un parcours qui prolonge les recherches de l’artiste autour du mouvement, de l’apesanteur, de la lévitation et des vides. « OUSSS », terme inventé par KOO JEONG A, se décline en son, substance, être ou lieu tout à la fois physique et mental, territoire personnel et mouvant.

KOO JEONG A réalise fréquemment des œuvres in situ qui associent forces invisibles et phénomènes naturels – gravité, champs magnétiques, phosphorescence – à des idées spéculatives, des imaginaires étranges et des souvenirs intimes. Déployée sur deux niveaux de La Tour, l’exposition comprend [KANGSE SpSt] (2024), une figure en lévitation diffusant des odeurs qui nous accueille dans le Drum de LUMA Arles, et une série de sculptures en bois finement façonnées selon la logique du ruban de Möbius. Les installations dialoguent avec l’esthétique monumentale de Frank Gehry et l’histoire d’Arles, donnant lieu à un jeu subtil d’échos et de reflets. Les sculptures rocheuses in situ [EVER] [VAST] (2025) résonnent avec la structure sinueuse de La Tour, elle-même inspirée par les amas de rochers élancés des Alpilles voisines. [SEVEN STARS] (2020), une série de peintures luminescentes, évoque quant à elle inévitablement La Nuit étoilée (1889) de Van Gogh.

Par des gestes imperceptibles et des installations immersives à grande échelle dans l’espace public, KOO JEONG A tisse des cosmologies sensibles qui troublent nos perceptions habituelles du temps, de l’espace et de la matérialité, ouvrant des portails vers des dimensions alternatives. L’univers d’« OUSSS » dessine un espace énigmatique où s’entrelacent matières telluriques et cosmiques, invitant à repenser notre relation aux éléments invisibles qui forment notre réalité.

De la Lune à l’étoile du berger, de la constellation de la Grande Ourse aux anneaux de Saturne, la voûte céleste et les astres qui l’habitent font l’objet d’une immense fascination.

L’exposition « Lire le ciel » porte sur l’appréhension du ciel nocturne en Méditerranée. Des premiers relevés du ciel mésopotamien antique à la vogue de l’astrologie contemporaine, en passant par l’astronomie arabe médiévale et la révolution galiléenne, les sociétés du bassin méditerranéen se sont référées aux astres pour se situer dans le cosmos et s’organiser sur terre. Savoirs et croyances ont circulé entre les rives, fondant une culture commune du ciel qui nourrit toujours notre approche contemporaine des astres.

À travers ce dialogue entre les arts et les sciences, l’exposition vise à questionner notre lien actuel au ciel étoilé. Depuis l’Antiquité, l’observation de la régularité des astres permet d’organiser la vie quotidienne, par exemple de se repérer pour les déplacements ou d’établir un calendrier. Les phénomènes célestes sont également interprétés comme des signes ayant une influence sur la vie quotidienne: phases de la lune, passages de comètes, mouvements des planètes devant les constellations, etc. Ce lien entre le macrocosme et le microcosme a eu un rôle dans la gestion des États et des gouvernements ou dans l’étude des comportements individuels, astronomie et astrologie ayant longtemps fonctionné de concert.

Si l’astronomie a participé à remettre en question nombre de ces croyances, la culture populaire continue de tisser un lien intime avec les étoiles, envisageant le ciel comme un support de projection de ses questionnements profonds. Aujourd’hui, alors que les étoiles s’effacent sous la pollution lumineuse des villes, nous continuons à chercher des yeux les constellations, à contempler la beauté du ciel étoilé et à penser avec lui notre rapport à l’environnement. Le parti pris de l’exposition est de toujours considérer le ciel vu depuis la terre.

L’exposition présente des objets exceptionnels témoins de cette histoire, mis en regard avec des oeuvres d’art contemporain qui leur répondent. Dans une approche transdisciplinaire, « Lire le ciel » mêle objets archéologiques, scientifiques et ethnographiques avec des oeuvres d’art, des manuscrits et du patrimoine oral. Elle présente plus de cent oeuvres des collections du Mucem et bénéficie de plus de deux cents prêts issus de collections nationales, territoriales ou internationales.
Commissaires :
Juliette Bessette, historienne de l’art, Université de Lausanne
Enguerrand Lascols, conservateur du patrimoine, Pôle Vie domestique, Mucem

Mécénat Bertin Winlight Technologies
à des collections publiques et privées canariennes, marocaines et françaises, ainsi qu’à des artistes.
Commissariat :
Salima Naji, architecte DPLG et docteure en anthropologie
Alexis Sornin, directeur des musées Yves Saint Laurent Marrakech et Pierre Bergé des arts berbères
Exposition conçue en partenariat avec la Fondation Jardin Majorelle, musée Pierre Bergé des arts berbères à Marrakech.

Pendant plusieurs soirées consécutives,Sofiane Pamart transformera chaque lieu en un véritable écrin musical.


Dans des cadres intimes et prestigieux, soigneusement sélectionnés, laissez vous emporter par l’émotion intense et la virtuosité de cet artiste hors du commun. Surnommé le Piano King , Sofiane Pamart vous invite à une immersion totale dans son univers musical, où chaque soirée promet d’être une expérience unique.

Après le succès de son premier spectacle, Thomas Marty revient sur scène pour nous raconter ses nouvelles aventures.

Compagnie : Jean-Philippe Bouchard Productions

Avec : Thomas Marty

Les rendez-vous du mardi changent de lieu et d’horaire.

- Mardi 7 octobre à 18h à la galerie de l'histoire :"La tragédie de Marseille de 1943".Conférence et débat.
Cette rencontre avec le collectif Saint-Jean, qui œuvre contre l’oubli de la tragédie marseillaise du 24 janvier 1943, sera l’occasion d’évoquer les rafles, les destructions et les déportations qui frappèrent le quartier populaire de Saint-Jean.
Avec Antoine de Gennaro, Antoine Mignemi, président, et Pascal Luongo, vice-président.

- Mardi 4 novembre à 17h à la galerie de l'histoire : "Le Fort de Bouc, un territoire aux confins de Martigues". Conférence.
Très tôt, le fort de Bouc tient une place stratégique dans la défense des côtes et de l’arrière-pays, en contrôlant la "mer de Caronte". La cartographie le montre bien .
Elle traduit des préoccupations militaires et commerciales. Les archives quant à elles retranscrivent les éléments imposés à la Communauté sur le territoire tels que
l’entretien des troupes et des chemins d’accès.
Conférence par Claude Pribetich-Aznar, architecte du patrimoine.

Née en 1919 dans le sud rural de l’Autriche, Lassnig mena une carrière de soixante-dix ans dans les domaines de la peinture, du dessin et du film d’animation. S’appuyant sur la relation profonde qui unissait Lassnig et le commissaire Hans Ulrich Obrist, cette présentation souhaite raviver l’attention portée par le public français à l’œuvre novatrice de l’artiste, laquelle a façonné l’histoire de l’art moderne et contemporain par le concept de conscience du corps (Körpergefühl) et son engagement féministe. Sa dernière exposition personnelle en France eut lieu en 1999 à Nantes, au Musée des Beaux-Arts de Nantes et au Fonds Régional d’Art Contemporain des Pays de la Loire.

Dans les premières réalisations de Lassnig, les influences expressionnistes et surréalistes prédominent, suivies par celles de l’Art informel et de la Nouvelle Figuration. Ces mouvements ont nourri la démarche de Lassnig, fondée sur la représentation des sensations internes du corps plutôt que par l’apparence extérieure. Les couleurs y vibrent, et les figures jaillissent d’une compréhension du « micro-monde des millions de neurones », inatteignable par tout dispositif photographique. Considérée comme l’une des plus grandes peintres autrichiennes depuis Egon Schiele et Oskar Kokoschka, Lassnig fit l’objet de plus d’une centaine d’ouvrages. Elle a également inspiré le film biographique Sleeping with a Tiger, présenté en avant-première à la Berlinale en 2024, ainsi que la pièce de théâtre Alte Meisterin. Lassnig/Beresin/Bitzan, 2024. Figure de proue de l’art d’après-guerre, elle demeure un jalon essentiel de l’évolution de la peinture européenne.

Hans Ulrich Obrist découvrit l’œuvre de Lassnig durant son enfance, en se procurant une carte postale reproduisant l’une de ses toiles, soigneusement rangée par la suite dans son « musée-boîte à chaussures » artisanal. En 1986, à dix-sept ans, il prit un train de nuit pour l’Autriche, où il fit la connaissance de Lassnig dans son atelier de la Maxingstrasse à Vienne. À cette époque, l’artiste enseignait la peinture et le film d’animation à l’Université des arts appliqués. Lassnig initia Obrist à l’œuvre de la poétesse autrichienne Friederike Mayröcker, l’incitant à approfondir sa lecture. Plus tard, elle facilita la rencontre entre Obrist et Mayröcker, qui devint une proche jusqu’à son décès en 2021.

De 1993 à 2014, Lassnig et Obrist échangèrent régulièrement des lettres et se retrouvaient fréquemment dans l’atelier viennois de l’artiste. En 1993, lorsque Kasper König invita Obrist à codiriger l’exposition The Broken Mirror dans le cadre du Wiener Festwochen (Festival de Vienne), les peintures de Lassnig ainsi que le film The Ballad of Maria Lassnig, 1992, projeté à l’ouverture, formèrent un pilier majeur de cette rétrospective consacrée à la peinture.

En 2000, Obrist aida Lassnig à publier ses journaux intimes de 1940 à 1997, révélant l’ampleur de ses doutes artistiques et l’évolution de sa pratique singulière axée sur la conscience du corps. Bien que Lassnig fût généralement réservée quant aux entretiens officiels, elle l’autorisa en 1999 à la filmer, inaugurant une série de conversations enregistrées jusqu’en 2012. Par la suite, en 2005, il collabora avec Daniel Birnbaum et Akiko Miyake afin de sélectionner Lassnig pour le projet Safety Curtain de museum in progress à l’Opéra d’État de Vienne, reproduisant sa peinture à l’huile Frühstück mit Ohr, 1967.

Lorsque Obrist a rejoint les équipes de la Serpentine en 2008, il organisa avec Julia Peyton-Jones une exposition d’envergure à la Serpentine Gallery, grâce au soutien de Maja Hoffmann. Une décennie plus tard, en 2017, après l’avoir conçue avec Maria Lassnig, Obrist finalisa à Athènes une exposition posthume centrée sur la passion de l’artiste pour la mythologie grecque et guidée par un titre poétique emprunté à Friederike Mayröcker : The Future Is Invented with Fragments from the Past (Le futur est inventé avec des fragments du passé). Après sa disparition, Obrist demeura proche de la Maria Lassnig Foundation, siégeant brièvement à son conseil consultatif (depuis 2016) et participant au jury du Maria Lassnig Prize, créé à l’initiative de l’artiste avant son décès pour encourager des artistes peu connu·es du public.

Réunies pour la première fois en un même lieu, l’exposition à LUMA Arles présente les entretiens vidéo entre Lassnig et Obrist, ainsi que leur vaste correspondance classée par ordre chronologique. Parmi les œuvres exposées figurent des peintures issues des expositions The Broken Mirror et de la Serpentine Gallery, du projet pour l’Opéra d’État de Vienne, et des peintures et aquarelles présentées à Athènes. Parallèlement au film biographique The Ballad of Maria Lassnig, le film Selfportrait, 1971, illustre l’exploration pionnière de Lassnig dans le domaine de l’animation au sein de la scène féministe new-yorkaise des années 1970. À noter que deux toiles de Lassnig furent présentées pour la dernière fois en France lors de l’exposition Action, Gesture, Paint : Women Artists and Global Abstraction 1940-1970, en 2023, à la Fondation Vincent van Gogh à Arles, un hommage à l’admiration qu’elle portait à van Gogh, qu’elle qualifia de « dieu expressionniste » lors d’un entretien de 2008 avec Obrist. En écho à la formule « Vivre avec l’art empêche de se faner ! » qu’elle rédigea pour Hans Ulrich Obrist dans sa dernière lettre inachevée, datée du 11 janvier 2014, cette présentation met à l’honneur l’héritage vif d’une peintre dont les visions intérieures continuent de résonner dans les corps et les esprits.

Que reste-t-il de ses origines et de sa terre d’avant, quand on la quitte pour un nouveau pays où il y aura du travail ? Et comment apprend-on une nouvelle langue, une culture différente ? Ce bouleversement, de nombreux italiens et italiennes l’ont connu durant les Trente Glorieuses. Ils et elles ont quitté la Basilicata, la Toscane, les Pouilles… pour arriver en Suisse, en 1960. C’est à cette communauté des femmes que Massimo Furlan et Claire de Ribaupierre donne la parole dans cette pièce intime et puissante.

Pour faire des lasagnes, il faut un certain nombre d'ingrédients, il faut savoir prendre le temps, nécessaire à chaque étape. Un peu comme la vie de Giuseppina, arrivée en Suisse dans les années 60, à 17 ans. Après son installation, elle deviendra ouvrière en horlogerie, tout en étant mère et grand-mère. Son petit-fils Davide, amateur de drag et passionné de théâtre, est devenu comédien. Quant à Ali, il vient de Casablanca, est en quête de ses racines mais est constamment habité par le sentiment de ne pas pouvoir rester… Ensemble, Giuseppina et ses amies, Davide et Ali racontent, dansent et cuisinent pour dire la vie et ses vagues, tressent un héritage commun de gestes et de traditions. Par la musique, la famille, la nourriture, ils et elles nous livrent un pan de l'immigration italienne dont on ne fait peu cas dans les livres d’histoires.

ORIGINE DU PROJET

« Avec Les Italiens, en 2019, nous nous sommes demandés comment des hommes avaient quitté leur lieu d’origine – la Sicile, les Abruzzes, la Calabre,…–, et étaient arrivés en Suisse pour travailler dans les années 1960, sur les chantiers, dans la restauration. Comment ils avaient dû quitter leurs proches, comment ils s’étaient installés dans un pays nouveau, s’y étaient intégrés, avaient construit une famille et finalement étaient restés. Pour cela nous avons travaillé avec trois générations différentes sur scène: la génération des pères nés dans les années ’40, celle de leurs fils nés dans les années ’60 et une petite fille née dans les années ’90.

Mais quelle était la vie des femmes arrivées dans ces mêmes années ? Quelle place ont-elles trouvé en Suisse ? Comment ont-elles pu s’intégrer ? Ces questions nous ont sans cesse interpellés mais nous n’avons pas pu les traiter alors, la distribution étant liée à l’équipe des joueurs de cartes qui se retrouvaient les après-midi au Théâtre de Vidy, et qui étaient tous des hommes. Cette idée de parler depuis le point de vue des femmes nous est restée en mémoire. Et c’est à cela entre autres que nous voulons nous consacrer avec Le lasagne della Nonna. Mais nous voulons aussi ouvrir sur des questions plus larges qui concernent la place que chacun ou chacune trouve ou ne trouve pas dans une communauté. Comment la communauté accueille-t-elle la diversité, la singularité, dans un sens large. »

E.A.T. a été fondé en 1966 aux États-Unis par Billy Klüver et Fred Waldhauer, ingénieurs aux Bell Telephone Laboratories — alors principal centre mondial pour l’innovation électronique et la recherche en télécommunications — ainsi que par les artistes Robert Rauschenberg et Robert Whitman. A l’origine de nouveaux types d’interactions entre le théâtre, les arts visuels, les environnements multisensoriels et les technologies de pointe, les expérimentations novatrices et interdisciplinaires d’E.A.T. ont dépassé le cadre traditionnel de l’art pour s’intéresser aux questions sociales telles que l’éducation et la protection de l’environnement. S’inscrivant dans la continuité de l’engagement à long terme de LUMA en faveur de la créativité et de l’innovation, Sensing the Future apporte un éclairage unique sur une initiative fondatrice dont l'impact sur plusieurs générations d'artistes demeure central aujourd'hui.

Organisée en partenariat avec le Getty Research Institute, l’exposition retrace les moments clés de l’histoire mythique d’E.A.T. Elle s’ouvre sur ses premières manifestations, puis présente des œuvres et documents relatifs à « 9 Evenings: Theatre & Engineering » (1966), au Pavillon Pepsi de l’Expo ’70 d’Osaka au Japon (1970), et à « Projects Outside Art » (1970). À LUMA Arles, l’exposition s'enrichit d’œuvres supplémentaires, rarement présentées auparavant et de documents inédits, permettant de mettre en lumière le rôle déterminant d’E.A.T. dans l’histoire de l’art contemporain.

Avec des œuvres de Robert Breer, John Cage, Lucinda Childs, Ivan Dryer, Jean Dupuy, Öyvind Fahlström, Hans Haacke, Alex Hay, Deborah Hay, Marta Minujín, Peter Moore, Forrest Myers, Fujiko Nakaya, Steve Paxton, Yvonne Rainer, Robert Rauschenberg, Lillian Schwartz, Harry Shunk & János Kender, Wen-Ying Tsai, David Tudor, Andy Warhol, Robert Whitman et d’autres.

Membre du J. Paul Getty Trust, Los Angeles, le Getty Research Institute (GRI) est un centre international dédié à l'étude de la culture visuelle et abrite l'une des plus grandes bibliothèques d'art au monde. Getty est une organisation artistique de premier plan à l’échelle mondiale, engagée dans l'exposition, la conservation et la compréhension du patrimoine artistique et culturel mondial.

Sensing the Future était l’une des plus de 60 expositions et programmes présentés à travers le sud de la Californie dans le cadre de l’édition 2024 de PST ART, intitulée Art & Science Collide et présentée par le Getty. PST ART: Art & Science Collide a succédé à Pacific Standard Time: LA/LA (September 2017–January 2018) et Pacific Standard Time: Art in L.A. 1945–1980 (October 2011– March 2012).

Paris, 2027. Depuis que les femmes parlent et qu’on les écoute, de nouvelles pathologies apparaissent, ce qui alerte l’O.M.S et la communauté scientifique. Pour y faire face, l’hôpital de la Pitié-Salpêtrière vient d’ouvrir une unité de soins et de recherche dirigée par Rose Spillerman, neuropsychiatre iconoclaste, flanquée de son indéfectible assistant Mario, chef de la chorale de l’hôpital. Iris, accompagnée de sa sœur Marguerite, est placée en observation car elle a brutalement cessé de parler. Tous les moyens seront bons pour élucider son cas - la chambre d’hôpital d’Iris devenant alors le lieu de toutes les fictions, toutes les fantasmagories.

Le batteur Fred Pasqua et le contrebassiste Pierre Fenichel, ainsi que les très inspirées musiciennes classiques, la flûtiste Maud Fourmanoir et la violoncelliste Laetitia Pont, ont rejoint cette création impressionniste et naturaliste qui joue sur les couleurs et les timbres.

Il est question de paysages sonores, de tableaux dans lesquels s’immerger. Ils évoquent les variations de la lumière et leur géographie intime : les Alpes de Haute-Provence, le Val de la Durance, les ciels de l’Oise, le rocher du Château d’If, le bruissement d’un feuillage et les lumières.

Une invitation à observer le sensible pour mieux habiter le monde.

Maud Fourmanoir [flûte traversière, flûte alto]
Laetitia Pont [violoncelle]
Christophe LeLoiL [trompette, bugle, compositions, arrangements]
Rob Clearfield [piano, compositions]
Pierre Fenichel [contrebasse, compositions]
Fred Pasqua [batterie]

Une production
www.christopheleloil.com

En partenariat avec Arts et musiques en Provence

Pour les Fatals Picards, 2025 c’est l’anne?e des 25 ans ! 25 ans de musique, d’humour, de second degre?, d’engagement, de chansons de?cale?es, de concerts incroyables... alors, autant dire que ce quart de sie?cle sera fe?te? comme il se doit sur toutes les sce?nes de France et d’ailleurs, le temps d’une tourne?e qu’il ne faudra rater sous aucun pre?texte.

ACCORDÉOLINE

Inédit : Oui
Insolite : Oui
Incroyable : Oui
Immanquable : Oui

Un souffle de modernité autour de la tradition anime cette édition forte en énergie positive et communicative.
Fidèle à ses origines, l'Académie d'Accordéon des Alpes de Haute-Provence transporte avec conviction ses influences et l'alliance qui en résulte est prodigieuse.
Vous serez touchés par cette création enivrée de passion et d'émotion.


Organisé par l'Académie d'Accordéon des Alpes de Haute Provence avec l'ensemble des mandolines de La Compagnie VBD&Co, le conservatoire de Marseille et le Conservatoire des Alpes de Haute Provence.

Venez balader, avec votre pique-nique, et suivre ce récit ou Marcel Pagnol vous livre le plus beau de ses secrets, celui du péché, de l'ignorance et du pardon.

La représentation vient de se terminer et la troupe, famille de comédiens, regagne les loges, ou plutôt ce qui leur tient lieu de loge, peut-être l’arrière-salle d’une salle des fêtes où l’on aurait installé des tables. Le spectacle n’a pas connu le succès escompté et le public leur a paru peu enthousiaste. Ce soir-là, la troupe doit célébrer les fiançailles entre Joséphine, la fille aînée du clan, et Raban, un intermittent. La cohabitation en tournée n’est pas toujours facile et cette joyeuse petite cérémonie se transforme vite en règlement de compte…

Avec Aymeline Alix, Clémence Boué, Jean-Noël Brouté, Olivier Debbasch, Vincent Dissez, Thomas Gendronneau, Judith Henry, Juliette Léger, Elsa Lepoivre [de la Comédie-Française], Guillaume Ravoire, Daniel San Pedro

Le compostage : un enjeu écologique à portée de tous :
Le compostage de proximité ; valorisation d’une ressource essentielle, lumière sur les enjeux liés au compostage, rappel de la réglementation, comment composter simplement et efficacement chez soi, utilisation du composte au jardin et questions/réponses


Conférence gratuite, rendez-vous à 18h salle Cassin à La Londe Les Maures, animée par Katrina Hancock maître composteur (LOV compostage).
Parkings gratuits à proximité de la salle Cassin.

Le compte à rebours est lancé pour les fans de Gazo. Avec Apocalypse, prévu pour le 29 novembre, le rappeur impose une nouvelle fois sa marque sur le paysage musical français. Cet album, qui succède à ses succès retentissants, s’annonce comme un projet audacieux, entre featurings prestigieux et innovations artistiques avant une tournée française

A travers des textes aux univers très différents, il nous émeut, il nous amuse, il nous fait rire. Avec la bonne humeur qui le caractérise, Antoine nous offre en toute intimité le plus beau des voyages, celui de nos anciennes lectures, et mieux encore, ces textes que nous ne connaissons pas encore, et que nous aimerons découvrir. Une chose est sûre, après avoir assisté à ce spectacle, vous ne lirez plus de la même manière…