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Ho Tzu Nyen est un artiste, cinéaste et metteur en scène singapourien, reconnu comme l'un des artistes les plus novateurs à avoir émergé sur la scène internationale au cours des vingt dernières années.

Ancré dans les contextes historiques et culturels de l'Asie de l'Est et du Sud-Est, il crée des installations vidéo captivantes, qui mobilisent un large éventail de techniques pour explorer et brouiller les frontières entre réalité et mythe, histoire et fiction. Jour spectral et contes étranges réunit cinq installations multimédia couvrant plus d'une décennie de création.

De l'usage de la caméra et de la lentille et l'intégration d'archives visuelles, à l'utilisation de l'animation, de systèmes de montage algorithmique et de processus d'intelligence artificielle (IA), les expérimentations technologiques de Ho Tzu Nyen servent une réflexion critique sur la manière dont les histoires – étatiques, culturelles ou personnelles – sont sans cesse imaginées, construites, négociées et performées. Puisant dans l'hétérogénéité des cultures d'Asie du Sud-Est, ses œuvres convoquent et déploient des sujets allant des mythes précoloniaux aux épisodes de la colonisation, des dynamiques géopolitiques contemporaines aux représentations d'un présent hybride et instable. Ho est un conteur, qui ne cesse de remodeler ses récits, tout autant que les moyens de les raconter. C'est pourquoi les thèmes, les motifs et les personnages migrent d'une œuvre à une autre, formant un univers dense, souvent halluciné. Une ébauche de cet univers peut être entrevue dans le diagramme présenté à gauche: il s'agit du script original de Ten Thousand Tigers [Dix mille tigres], une pièce de théâtre qu'il a écrite et mise en scène en 2014, et qui continue d'influencer ses œuvres les plus récentes.

Au cœur de l'exposition se trouve la toute dernière œuvre de Ho, Phantoms of Endless Day, une installation commandée pour l'exposition à LUMA Arles. Ce projet puise dans la matière de Endless Day, un long-métrage entamé en 2011 mais resté inachevé, dont les thèmes et les personnages ont néanmoins hanté ses vidéos et films au cours de la décennie suivante. Utilisant un ensemble de processus d'intelligence artificielle qui montent, séquencent et recréent images et sons à partir des matériaux d'origine, Phantoms of Endless Day nous plonge dans une succession de lignes temporelles alternatives, brouillant les frontières entre mythe, mémoire, histoire et fantastique. Fidèle à l'approche interdisciplinaire de Ho, l'installation remet en question notre compréhension du temps, de la perception et du récit.

Cette nouvelle œuvre peut être vue comme une tentative de Ho de refermer une boucle, et de développer un langage cinématographique hybride fondé sur les dernières possibilités offertes par les technologies algorithmiques et l'intelligence artificielle. Le résultat est une expérience hallucinatoire, un gothique tropical, où des voix générées par IA ne racontent pas une histoire unique, mais suggèrent une multiplicité de narrations.

Phantoms of Endless Day est une tentative de rédemption et de réinvention du passé en nouveaux futurs possibles. Prolongeant l'intérêt distinctif de Ho Tzu Nyen pour l'exploration des histoires fragmentées, de la pensée philosophique et de la complexité narrative, l'œuvre devient une lentille inédite à travers laquelle expérimenter son univers visuel et sonore si singulier. Aux côtés de plusieurs œuvres majeures de l'artiste, The Nameless (2015), The Name (2015), One or Several Tigers (2017), Hotel Aporia (2019), et T for Time (2023- en cours), cette exposition révèle une pratique profondément ancrée dans un univers à la fois dense et interconnecté, qui résiste à la simple contemplation pour proposer une expérience à la fois émotionnelle intellectuelle, fluide et infiniment générative.

Initié par Neïl Beloufa, EBB invite artistes, auteur·ices et cinéastes à expérimenter avec les technologies qui façonnent nos vies numériques à l’heure de l’économie de l’attention.

Le long d’un réseau d’infrastructures numériques et physiques dans le Parc des Ateliers et La Tour, des histoires se déploient et transforment la visite de LUMA Arles en un voyage narratif dirigé par les visiteurs. Me Time mène à une salle de projection interactive et immersive affichant des médias personnalisés qui manifestent l’imagination du spectateur d’une manière imprévisible.

Dans le cadre d’une recherche au long cours sur l’utilisation de l’innovation au service de la vision des artistes, cette initiative présente des technologies telles que l’IA générative, la gestion de la confidentialité des données, les algorithmes de recommandation et la personnalisation de l'information, en les rendant accessibles et exploitables. Sous la forme d’une expérience ludique, ce projet offre un espace de production culturelle expérimentale permanente, et un usage créatif de la technologie dirigé par les artistes eux-mêmes.

Tony Oursler : Sibyl

Pour cette seconde édition, Tony Oursler (né aux États-Unis en 1957) présente Sibyl, un oracle en constante évolution qui fusionne prédictions futuristes, théories du complot et mythologies provençales. À mi-chemin entre jeu d'arcade et apparition étrange, ce voyant fantomatique déclame des prédictions sur mesure, oscillant entre spéculations scientifiques actuelles et phénomènes occultes historiques. En exploitant la capacité de l'intelligence artificielle à générer ces récits complexes et entremêlés, Oursler examine de manière critique le rôle de la technologie dans la construction des systèmes de croyances contemporains, de la pensée magique et de leurs codes esthétiques.

People Planet Profit est la première exposition monographique de Peter Fischli en France.

Comptant parmi les artistes les plus important·es de sa génération, Fischli est mondialement connu pour sa collaboration de quatre décennies avec David Weiss (1946-2012) au sein du duo conceptuel novateur Fischli/Weiss. Travaillant désormais en solo, il cultive son engagement critique vis-à-vis de l’esthétique du quotidien et des systèmes de signification, à travers des œuvres qui s’amusent à bousculer les frontières entre art et vie.

L’exposition, qui réunit des créations récentes – sculptures, installations, vidéos et pièce sonore – explore la manière dont les signifiants, symboles et infrastructures du capitalisme rivalisent pour capter notre attention, circulant sans relâche, chorégraphiant nos mouvements, façonnant nos perceptions et nos émotions. L’image, omniprésente, mobile et aplatie, est au cœur de l’exposition. Toutes celles présentées, fixes ou animées, ont été enregistrées à l’aide du téléphone portable de l’artiste. L’usage par Peter Fischli des espaces d’exposition de LUMA évoque une « ville augmentée », un lieu où images et citoyen·nes usager·ères interagissent via des systèmes numériques et physiques toujours plus enchevêtrés. Ici, objets, images, personnes, significations et capitaux semblent circuler perpétuellement, éveillant des sentiments mêlés de curiosité, de fascination et parfois de perplexité.

Intitulée d’après le concept entrepreneurial de « triple performance », l’exposition convoque un modèle qui cherche à élargir les critères de succès des entreprises, en y incluant le bien-être social et la durabilité environnementale, en plus du profit. Dans cette perspective, Fischli s’interroge sur l’évolution de la notion de valeur, sa diffusion et son esthétisation. Il nous invite à nous demander si les individus, la planète et le profit peuvent réellement coexister, ou si leur réconciliation n’est, au fond, qu’une fiction douteuse récitée par le capitalisme tardif.

L’exposition place la production et la transformation des matériaux, des médias, du travail et des valeurs sociales au cœur de son propos. Le lieu qui l’accueille, les anciennes forges du Parc des Ateliers, en est une incarnation éloquente. Autrefois site industriel dédié à la fabrication et à la réparation de locomotives, aujourd’hui espace culturel, il trace une trajectoire délicate à travers l’histoire. De l’industrie lourde aux formes souvent plus flexibles d’un travail lié aux économies créatives actuelles, il symbolise le passage de la production matérielle vers les flux immatériels de données, d’écrans et de services qui caractérisent notre ère postindustrielle.

Loin de se limiter à une simple présentation d’images, People Planet Profit nous renvoie le monde sous de nouvelles formes, toujours légèrement réfractées, décalées et inattendues, dévoilant l’architecture d’un monde en perpétuelle et vertigineuse évolution.

Le meilleur du marché international de l’implantation commerciale.

Le Mapic, Marché International de l’Implantation Commerciale et de la Distribution s’installe au Palais des Festivals et des Congrès de Canne.

8 500 participants internationaux sont attendus, dont plus de 2500 promoteurs immobiliers et propriétaires de centres commerciaux et plus de 2 100 enseignes qui présenteront leurs projets, donnant ainsi aux enseignes l’opportunité unique de découvrir de nouveaux lieux d’implantation en plein essor à l’international.

Avec plus de 280 millions de vues et des concerts dans 30 pays, leur show est une expérience unique.

Aperçu des différentes activités : Beaux-Arts,Architecture, Arts graphiques, Arts appliqués. Les apports de cette école durant tout le XXème siècle jusqu’à nos jours.
Une réalisation architecturale sous son influence, en 1927 :la « Weissenhofsiedlung » de Stuttgart.

Après le succès de son premier spectacle, Thomas Marty revient sur scène pour nous raconter ses nouvelles aventures.

Compagnie : Jean-Philippe Bouchard Productions

Avec : Thomas Marty

Composée de 8 panneaux, cette exposition au graphisme naïf regroupe une foule de thématiques liées au quotidien des tout-petits : les jouets, les couleurs, le voyage, faire semblant.

Les rendez-vous du mardi changent de lieu et d’horaire.

- Mardi 7 octobre à 18h à la galerie de l'histoire :"La tragédie de Marseille de 1943".Conférence et débat.
Cette rencontre avec le collectif Saint-Jean, qui œuvre contre l’oubli de la tragédie marseillaise du 24 janvier 1943, sera l’occasion d’évoquer les rafles, les destructions et les déportations qui frappèrent le quartier populaire de Saint-Jean.
Avec Antoine de Gennaro, Antoine Mignemi, président, et Pascal Luongo, vice-président.

- Mardi 4 novembre à 17h à la galerie de l'histoire : "Le Fort de Bouc, un territoire aux confins de Martigues". Conférence.
Très tôt, le fort de Bouc tient une place stratégique dans la défense des côtes et de l’arrière-pays, en contrôlant la "mer de Caronte". La cartographie le montre bien .
Elle traduit des préoccupations militaires et commerciales. Les archives quant à elles retranscrivent les éléments imposés à la Communauté sur le territoire tels que
l’entretien des troupes et des chemins d’accès.
Conférence par Claude Pribetich-Aznar, architecte du patrimoine.

Née en 1919 dans le sud rural de l’Autriche, Lassnig mena une carrière de soixante-dix ans dans les domaines de la peinture, du dessin et du film d’animation. S’appuyant sur la relation profonde qui unissait Lassnig et le commissaire Hans Ulrich Obrist, cette présentation souhaite raviver l’attention portée par le public français à l’œuvre novatrice de l’artiste, laquelle a façonné l’histoire de l’art moderne et contemporain par le concept de conscience du corps (Körpergefühl) et son engagement féministe. Sa dernière exposition personnelle en France eut lieu en 1999 à Nantes, au Musée des Beaux-Arts de Nantes et au Fonds Régional d’Art Contemporain des Pays de la Loire.

Dans les premières réalisations de Lassnig, les influences expressionnistes et surréalistes prédominent, suivies par celles de l’Art informel et de la Nouvelle Figuration. Ces mouvements ont nourri la démarche de Lassnig, fondée sur la représentation des sensations internes du corps plutôt que par l’apparence extérieure. Les couleurs y vibrent, et les figures jaillissent d’une compréhension du « micro-monde des millions de neurones », inatteignable par tout dispositif photographique. Considérée comme l’une des plus grandes peintres autrichiennes depuis Egon Schiele et Oskar Kokoschka, Lassnig fit l’objet de plus d’une centaine d’ouvrages. Elle a également inspiré le film biographique Sleeping with a Tiger, présenté en avant-première à la Berlinale en 2024, ainsi que la pièce de théâtre Alte Meisterin. Lassnig/Beresin/Bitzan, 2024. Figure de proue de l’art d’après-guerre, elle demeure un jalon essentiel de l’évolution de la peinture européenne.

Hans Ulrich Obrist découvrit l’œuvre de Lassnig durant son enfance, en se procurant une carte postale reproduisant l’une de ses toiles, soigneusement rangée par la suite dans son « musée-boîte à chaussures » artisanal. En 1986, à dix-sept ans, il prit un train de nuit pour l’Autriche, où il fit la connaissance de Lassnig dans son atelier de la Maxingstrasse à Vienne. À cette époque, l’artiste enseignait la peinture et le film d’animation à l’Université des arts appliqués. Lassnig initia Obrist à l’œuvre de la poétesse autrichienne Friederike Mayröcker, l’incitant à approfondir sa lecture. Plus tard, elle facilita la rencontre entre Obrist et Mayröcker, qui devint une proche jusqu’à son décès en 2021.

De 1993 à 2014, Lassnig et Obrist échangèrent régulièrement des lettres et se retrouvaient fréquemment dans l’atelier viennois de l’artiste. En 1993, lorsque Kasper König invita Obrist à codiriger l’exposition The Broken Mirror dans le cadre du Wiener Festwochen (Festival de Vienne), les peintures de Lassnig ainsi que le film The Ballad of Maria Lassnig, 1992, projeté à l’ouverture, formèrent un pilier majeur de cette rétrospective consacrée à la peinture.

En 2000, Obrist aida Lassnig à publier ses journaux intimes de 1940 à 1997, révélant l’ampleur de ses doutes artistiques et l’évolution de sa pratique singulière axée sur la conscience du corps. Bien que Lassnig fût généralement réservée quant aux entretiens officiels, elle l’autorisa en 1999 à la filmer, inaugurant une série de conversations enregistrées jusqu’en 2012. Par la suite, en 2005, il collabora avec Daniel Birnbaum et Akiko Miyake afin de sélectionner Lassnig pour le projet Safety Curtain de museum in progress à l’Opéra d’État de Vienne, reproduisant sa peinture à l’huile Frühstück mit Ohr, 1967.

Lorsque Obrist a rejoint les équipes de la Serpentine en 2008, il organisa avec Julia Peyton-Jones une exposition d’envergure à la Serpentine Gallery, grâce au soutien de Maja Hoffmann. Une décennie plus tard, en 2017, après l’avoir conçue avec Maria Lassnig, Obrist finalisa à Athènes une exposition posthume centrée sur la passion de l’artiste pour la mythologie grecque et guidée par un titre poétique emprunté à Friederike Mayröcker : The Future Is Invented with Fragments from the Past (Le futur est inventé avec des fragments du passé). Après sa disparition, Obrist demeura proche de la Maria Lassnig Foundation, siégeant brièvement à son conseil consultatif (depuis 2016) et participant au jury du Maria Lassnig Prize, créé à l’initiative de l’artiste avant son décès pour encourager des artistes peu connu·es du public.

Réunies pour la première fois en un même lieu, l’exposition à LUMA Arles présente les entretiens vidéo entre Lassnig et Obrist, ainsi que leur vaste correspondance classée par ordre chronologique. Parmi les œuvres exposées figurent des peintures issues des expositions The Broken Mirror et de la Serpentine Gallery, du projet pour l’Opéra d’État de Vienne, et des peintures et aquarelles présentées à Athènes. Parallèlement au film biographique The Ballad of Maria Lassnig, le film Selfportrait, 1971, illustre l’exploration pionnière de Lassnig dans le domaine de l’animation au sein de la scène féministe new-yorkaise des années 1970. À noter que deux toiles de Lassnig furent présentées pour la dernière fois en France lors de l’exposition Action, Gesture, Paint : Women Artists and Global Abstraction 1940-1970, en 2023, à la Fondation Vincent van Gogh à Arles, un hommage à l’admiration qu’elle portait à van Gogh, qu’elle qualifia de « dieu expressionniste » lors d’un entretien de 2008 avec Obrist. En écho à la formule « Vivre avec l’art empêche de se faner ! » qu’elle rédigea pour Hans Ulrich Obrist dans sa dernière lettre inachevée, datée du 11 janvier 2014, cette présentation met à l’honneur l’héritage vif d’une peintre dont les visions intérieures continuent de résonner dans les corps et les esprits.

Jorge Semprún est déporté à Buchenwald en septembre 1943. Le 11 avril 1945, le camp est libéré par les forces armées américaines. La question qui se pose ensuite à lui pendant une quinzaine d’années : faut-il vivre ou écrire, écrire ou vivre, écrire et vivre ?

Plonger dans L‘Écriture ou la vie, c‘est se fondre dans les abîmes du XXe siècle. Choisir de porter ce texte à la scène est une tentative de protéger et transmettre cette mémoire constamment menacée d’un oubli inadmissible, celle des disparu·es et des revenant·es. Un projet de transmission pour toutes les générations et une pensée pour l’Europe à venir.

Production Châteauvallon-Liberté.

Après avoir étudié le rôle des images sur les boîtes, on s’intéressera dans la quatrième session aux images produites dans et par des boîtes. Nous adopterons encore une démarche de longue durée, partant du XVe siècle pour aller jusqu’à nos jours. Une bonne partie de l’histoire de la peinture occidentale, depuis Alberti jusqu’à l’abstraction, depuis la camera obscura jusqu’aux maquettes de Poussin, est en effet une affaire de mises en boîte, et cela est encore plus évident avec la photographie et le cinéma. En faisant écho à l’exposition consacrée au Quichotte, en confrontant la grotte de Montesinos aux aquariums, aux caisses de plante, aux sténopés, aux daguerréotypes, on pourra ainsi s’interroger sur le rôle par la transparence et par l’ouverture des boîtes dans la production des images.

Comment en arrive-t-on à tuer l’être aimé ? Qui est responsable ?
Deux interprètes incarnent ces amours impossibles, entre désir, conflit absurde et fatalité.

À travers des installations immersives, ainsi que des peintures, des sculptures, des photographies et de nouvelles technologies, l’exposition rassemble un réseau de plus de cinquante artistes contemporain·es qui ont redéfini le développement des pratiques culturelles actuelles.

L’exposition entend examiner le caractère évolutif des œuvres d’art à travers des installations in situ proposant des approches inédites de l’exposition et de l’expérience esthétique. Son titre change au cours du temps, selon les suggestions des participant·es et des commissaires impliqué·es dans le projet.

L’exposition réunit pour la première fois des œuvres emblématiques de la collection de la Fondation Beyeler ainsi que des prêts de Maja Hoffmann / LUMA Foundation dans un accrochage unique pensé par Tino Sehgal, visant à matérialiser une réaction en chaîne, où chaque œuvre devient la continuation d’une autre. Photographies, peintures, sculptures se succèdent et se répondent selon des principes de différence et de répétition, abordant notamment le portrait, l’architecture, l’abstraction.

Déployée à travers la Galerie Principale de La Tour et autour de l’étang du parc paysager du Parc des Ateliers, Danse avec les démons propose une expérience multisensorielle, ludique et novatrice de l’œuvre d’art. Parmi les propositions, se trouvent des sculptures qui se regardent au lieu d’être face aux visiteur·euses, des œuvres qui réagissent à l’environnement, qui apprennent un langage ou qui influencent les rêves. Tel un organisme vivant, l’exposition offre une approche plus sensible de l’œuvre, donnant à voir l’image d’un monde mouvant, en perpétuelle transformation. Cette conception innovante des œuvres et de leur présentation interroge et réinvente les canons de l’exposition, ainsi que son histoire.

Une série d’installations de Carsten Höller, Adam Haar, Pierre Huyghe, Cildo Meireles, Federico Campagna, et Dozie Kanu cherchent à mettre en jeu les perceptions normatives du temps, de l’espace et de la réalité. Elles fonctionnent comme une invitation à la découverte et à l’imagination. Dans le parc paysager du Parc des Ateliers, autour de l’étang, les installations de Fujiko Nakaya, Precious Okoyomon et Philippe Parreno interagissent avec l’environnement, créant des expériences uniques qui répondent aux spécificités du parc.

L’exposition puise une partie de ses sources dans les projets expérimentaux réalisés, avec le soutien de LUMA Foundation, à Arles et dans d'autres villes au cours des quinze dernières années. Parmi ceux-ci, on peut citer Il Tempo del Postino (Manchester, 2007 ; Bâle, 2009), Vers la lune en passant par la plage (Arles, 2012), et Chroniques de Solaris (Arles, 2014). Le premier volet de Danse avec les démons a été présenté durant l’été 2024 à la Fondation Beyeler, à Riehen/Bâle.

En partenariat avec la Fondation Beyeler

Le batteur Fred Pasqua et le contrebassiste Pierre Fenichel, ainsi que les très inspirées musiciennes classiques, la flûtiste Maud Fourmanoir et la violoncelliste Laetitia Pont, ont rejoint cette création impressionniste et naturaliste qui joue sur les couleurs et les timbres.

Il est question de paysages sonores, de tableaux dans lesquels s’immerger. Ils évoquent les variations de la lumière et leur géographie intime : les Alpes de Haute-Provence, le Val de la Durance, les ciels de l’Oise, le rocher du Château d’If, le bruissement d’un feuillage et les lumières.

Une invitation à observer le sensible pour mieux habiter le monde.

Maud Fourmanoir [flûte traversière, flûte alto]
Laetitia Pont [violoncelle]
Christophe LeLoiL [trompette, bugle, compositions, arrangements]
Rob Clearfield [piano, compositions]
Pierre Fenichel [contrebasse, compositions]
Fred Pasqua [batterie]

Une production
www.christopheleloil.com

En partenariat avec Arts et musiques en Provence

Regardez l’art comme vous ne l’avez jamais vu grâce à cette dia-conférences animée par Jean-Baptiste Pisano (enseignant-chercheur). Un rendez-vous en terres artistiques à la rencontre de créateurs, de mouvements et de chefs-d’œuvre de l’histoire des arts. Un voyage riche en visuels, en détails et en anecdotes pour faire le plein d’émotions et de découvertes esthétiques.
Une expérience enrichissante à vivre dont la destination n’est pas un lieu, mais une manière de d’appréhender les choses différemment et de porter un regard nouveau sur l’art et sur le monde.

Pour les Fatals Picards, 2025 c’est l’anne?e des 25 ans ! 25 ans de musique, d’humour, de second degre?, d’engagement, de chansons de?cale?es, de concerts incroyables... alors, autant dire que ce quart de sie?cle sera fe?te? comme il se doit sur toutes les sce?nes de France et d’ailleurs, le temps d’une tourne?e qu’il ne faudra rater sous aucun pre?texte.

C'est David, son fils.
Artiste unique au talent immense, multi-récompensé et estimé de tous, David a composé « Sang pour sang », l’album le plus vendu de son père qui scellera leur réconciliation.

« Requiem pour un fou » - la tournée évènement sang pour sang Hallyday !
Un spectacle unique en son genre, deux heures de musique qui permettront de découvrir sur scène les répertoires mêlés des deux artistes, la vision unique d’un fils sur l’œuvre de son père, comme un pacte. Un spectacle hors du temps où il est question de filiation, de transmission et d’amour…