Agenda

Le public est donc à la fois auteur et spectateur de ce spectacle d’humour hors norme ! A chaque représentation, les deux comédiens, Laurent Pit et Philippe Hassler vont se livrer à une expérience théâtrale unique. Leur but ? Se surprendre autant qu’ils vous surprennent. Spectacle joué au festival d’Avignon OFF à guichet fermé pendant 3 années consécutives.

Le Palais des Papes est le cœur névralgique de la constellation. Othoniel déploie dans 15 salles du palais un sonnet magistral de 133 œuvres, dont 106 nouvelles sculptures, créées spécialement pour le Palais des Papes, pour répondre à la monumentalité et à l'histoire de ce lieu unique.

Des sculptures abstraites suspendues, telles de grands colliers, rencontrent les figures du zodiaque, des astrolabes géants envahissent la grande chapelle et le cloitre. Sous les fresques des chapelles, de grandes sculptures de briques de verre et de miroir invitent le visiteur à méditer sur les amours perdues…

Nous vous proposons de découvrir ce parcours après la fermeture du monument aux visiteurs, en visite nocturne et de vivre un moment rare.

A propos de l'exposition :
Pour fêter les 25 ans de sa désignation comme capitale européenne de la culture et les 30 ans de son inscription au patrimoine mondial de l’UNESCO, Avignon a confié à Jean-Michel Othoniel le soin d’investir ses sites emblématiques et ses musées. Du 28 juin 2025 au 4 janvier 2026, l’artiste déploie dans 10 lieux de la cité des Papes une gigantesque constellation de 240 œuvres, dont 160 inédites en France et créées spécialement pour cette exposition. L’Amour en est le thème central. L’artiste investit
le Palais des Papes, la place du Palais, le Pont Saint Bénezet, le Petit Palais, les musées Calvet, Requien, Lapidaire, les Bains Pommer, la Collection Lambert, la chapelle Sainte Claire. C’est l’une des premières mondiales où une ville offre à un seul artiste d’exposer dans tous ses musées. Le visiteur est invité à voyager d’un lieu à l’autre, dans une sorte de pérégrination poétique. Les œuvres présentées mêlent différents médiums : sculpture et peinture, briques et perles de verre, astrolabes et fontaines, l’or et le verre. L’exposition s’articule autour de la passion amoureuse, s’inspirant du Canzoniere, ensemble de sonnets amoureux écrits au 14ème siècle par Francesco Petrarca, dédiés à
Laure.

Tout public, enfant à partir de 8 ans
Départ de la visite : En bas de l’escalier en bois à droite de l’entrée principale - Place du Palais des Papes
Duré e de la visite : 2h
Se présenter 10 minutes avant le début de la visite

The Lodger (Les Cheveux d’or, 1927) est le premier grand film d’Alfred Hitchcock, où se dessinent déjà les thèmes et le style du maître du suspense. Inspiré de l’affaire Jack l’Éventreur, ce thriller muet suit l’arrivée d’un mystérieux locataire, bientôt soupçonné d’être un tueur en série. Alors Improvisation au piano sur film muet que les meurtres se multiplient, la peur s’installe dans la maison et le doute ronge les habitants. Jeux d’ombres, cadrages audacieux, tension croissante : ce chef- d’œuvre du muet révèle un cinéaste en pleine invention, et la musique jouée en direct intensifie encore l’atmosphère troublante du film.

Quentin Guérillot, titulaire de cinq premiers prix en orgue, harmonie, contrepoint, fugue et forme, et écriture des XXe et XXIe siècles du CNSM de Paris, il est nommé à 25 ans, organiste titulaire des grandes orgues Cavaillé-Coll de la Basilique Cathédrale de Saint-Denis, où il succède à son mentor Pierre Pincemaille. Musicien curieux et éclectique, il donne de nombreux concerts d’orgue et de clavecin en France et à l’étranger au cours desquels il promeut un vaste répertoire allant du XVe siècle à nos jours.

Découvrez le spectacle de Julien Santini le samedi 1er novembre à 20h30 !

Entrez dans l'univers de Santini, c'est découvrir que sur scène tout est possible ! Entre stand up et humour décalé, le comédien nous fait part de ses observations et de son parcours, jonglant tout le long du spectacle entre poésie et audace. Ce show est inclassable et phénoménal ! PS : Santini tient à préciser qu'il n'est pas l'auteur de ce pitch. En accord avec La Tiny Team.

L’Académie du Tambourin s’attache à faire redécouvrir ce répertoire insoupçonné. Avec le programme Les Tambourinaires, musiciens de Provence, musiciens du monde, l’Académie du Tambourin propose un voyage musical partant de Provence et y retournant, rendant au passage un hommage à nos confrères « tambourinaires » étrangers - basques, andalous ou anglais - autres virtuoses de la flûte à trois trous.
Également au programme, quelques créations de tambourinaires compositeurs contemporains tels Maurice Maréchal ou Maurice Guis.
À l’occasion de cette représentation, l’Académie du Tambourin accueillera la soprano Muriel Tomao.
La presse en parle
« Ces virtuoses de l'Académie du Tambourin, sous la direction de Maurice Guis, donnent des concerts dans toute la Provence, illustrant les multiples aspects du répertoire de
ces instruments qui couvre des siècles depuis le Moyen âge jusqu'à nos jours. » La Provence
Par : L’Académie du Tambourin
Soprano : Muriel Tomao

Ces Marchés de Créateurs avec une sélection de nombreux et talentueux exposants présents, vous permettront de découvrir une grande variété de supports d’expressions, qu’elles soient artistiques ou artisanales.

Stands d'organisations éco-responsables.



Créations alternatives, vintage et actuelles: peinture, sculpture, bijou, luminaire, stylisme, photographie, accessoires, mobilier, reliure, céramique, travail du fil, du bois, du verre, du métal, composition florale, gourmandises, cosmétiques etc.

Point culminant de la cité Vauban, 1400 m d'altitude au niveau de la statue de La France, l'ancien château fort de Briançon fera l'objet de nombreux projets qui aboutiront à sa transformation en véritable fort au 19e siècle.
Profitez, lors de votre visite, d'un panorama exceptionnel sur les vallées briançonnaises et les forts inscrits au patrimoine mondial et la ville.

Durée: 2h

RDV: Au musée de la Mine sur le chemin de ronde - Briançon, Cité Vauban
Pour un départ de visite à l’heure, merci d’anticiper vos temps de trajet et de stationnement

Le guide se réserve le droit d'annuler ou d'interrompre toute visite en cas de nécessité pour la sécurité des visiteurs.
Prévoir des chaussures adaptées à la marche, de l'eau et des vêtements couvrants. Nombreux escaliers durant la visite.

Les visites sont assurées à partir de 2 personnes.

Découvrez le spectacle d'Olivier De Benoist le dimanche 2 novembre à 18h !

Olivier De Benoist cherchait le bonheur et il a trouvé une famille. Bien décidé à ne pas laisser ce revers temporaire le détourner de son objectif, cet incorrigible optimiste se lance dans une quête éperdue de la félicité. La morale de ce mémorable voyage initiatique pourrait, selon lui, se résumer ainsi : "pour vivre heureux, vivons cachés certes, mais surtout loin de sa femme et de ses enfants."

Auteurs : Olivier De Benoist, Paul-Marie Debrie et Jérôme Daran
Durée : 1h30

Dans un premier temps, au départ du village du Tholonet, on arpentera les chemins de Cezanne à travers la garrigue, ponctués par des analyses de ses œuvres. C'est au pied de la Sainte-Victoire qu'il est venu poser son chevalet.
Elodie, guide conférencière spécialiste du peintre, vous racontera son histoire, ses méthodes picturales et pourquoi il a choisi de s'établir autour des carrières de Bibémus les 10 dernières années de sa vie.

En seconde partie de balade, une fois arrivés sur le plateau de Bibémus, on installera votre matériel en extérieur devant le motif choisi, et Emmanuelle Ricochastel, artiste peintre diplômée de la faculté d'Aix-en-Provence et de Paris IV, vous initiera à la création sur le motif, comme au temps des impressionnistes du XIXe siècle.
A chaque sortie, vous pourrez vous essayer à une technique différente (fusain, pastels secs, pastels gras, peinture), dans les lieux du plateau de Bibémus (pinède, falaise, balcons). Venez vivre l'expérience de l'impression sensorielle à l'expression artistique en pleine nature.

Equipement : chaussures de marche (marche avec dénivelé), eau, pique-nique, matériel de peinture si vous avez le vôtre, sinon il peut être fourni sur demande.

? Visite guidée à pied
? Langue : en français et en anglais
? Durée : 3h
? Matériel : chaussures de marche, eau, pique-nique à prévoir lors des sorties coucher de soleil en été.

Réservations auprès des conseillers en séjour de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence ou sur le site de l'Office de Tourisme d'Aix-en-Provence.

En 2009, les Rencontres de la photographie d’Arles révélaient au public arlésien dans une exposition organisée au Parc des Ateliers, l’univers de David Armstrong sous le commissariat de Nan Goldin, alors directrice artistique invitée.

Quinze ans plus tard, son œuvre revient à Arles à l’occasion de cette nouvelle exposition présentée par LUMA Arles. Plus qu’un simple portraitiste, Armstrong, disparu en 2014, a capté l’essence d’une génération et une certaine attitude face à la vie, qu’il a immortalisées dans une série d’images aussi intimes que saisissantes. Dès ses débuts, Armstrong s’est attaché à photographier son époque et ses proches.

Dans les années 1970, il étudia la photographie à l'École du Musée des Beaux-Arts de Boston. Il s'associa à un groupe plus large d'artistes d'avant-garde, dont Nan Goldin, Philip-Lorca DiCorcia, Gail Thacker, Mark Morrisroe, Tabboo! et Jack Pierson, connu sous le nom d'École de Boston. Ses premières photographies en noir et blanc dressent le portrait d'une jeunesse à la fois introspective et rebelle, incarnant une forme de liberté fragile et magnétique. Son œuvre est un véritable document d'époque, une archive qui respire la beauté, celle d'un New York qui n'existe plus. Un New York en tant qu'attitude, au-delà de l'Empire State Building, des cartes postales et des innombrables scènes de films tournées dans ses rues effrénées ou de ses panneaux publicitaires géants. Son New York est une promesse, un havre pour les laissés-pour-compte, pour les artistes, les poètes, les musiciens et la bohème en tout genre. L'exposition montre comment, dès le début, Armstrong n'a pas simplement dépeint des personnes, mais une posture face à la vie et ses déboires - une attitude enivrée et exubérante, désenchantée et oisive. Ces portraits frappent encore aujourd'hui par leur franchise : pas de filtre, pas de mensonge. ces hommes et ces femmes ont confronté l'objectif avec un œil séducteur et libre.

Ces paysages vaporeux forment un contrepoint à ces portraits, ils se font bien plus atemporels. Armstrong immortalise des lieux qu’il arpente aux détours de sa vie, des panoramas qu’il semble saisir à la sauvette. C’est à la fin des années 1980 qu’il les réalise, en pleine explosion de l’épidémie de sida. Il faut les regarder à travers le prisme de cet immense drame : ce sont des memento mori. Ces œuvres nous rappellent la fugacité de l’existence.

À travers cette grande exposition, LUMA Arles célèbre à nouveau le regard singulier de David Armstrong, son esthétique mélancolique, ainsi que son influence durable sur la photographie contemporaine. Une immersion dans l’œuvre d’un artiste qui, bien au-delà du portrait, a su traduire une époque et un état d’esprit sur papier glacé.

Depuis le début des années 1990, KOO JEONG A travaille à la croisée de l’art, de la science et de la métaphysique, réalisant des œuvres qui amplifient la perception et nous relient aux forces invisibles qui habitent le réel.

Entre précision conceptuelle et expérience sensorielle intime, ses créations cultivent l’éphémère, la transformation et l’entropie, donnant naissance à des environnements aussi minimalistes que profondément affectifs.

KOO JEONG A est connue pour son approche synesthésique et sa pratique multiforme, où coexistent dessin, peinture, sculpture, installation, film, son, animation, réalité augmentée et architecture. En intégrant des éléments immatériels tels que la lumière, les variations de température, les odeurs ou les sons, l’artiste a développé un lexique formel multisensoriel qui nous invite à dépasser le registre purement visuel.

La plus vaste exposition consacrée à KOO JEONG A en France à ce jour, LAND OF OUSSS [KANGSE] réunit des œuvres majeures et des créations inédites, réalisées entre 2007 et aujourd’hui. Sculptures, installation olfactive, peintures phosphorescentes et dessins à l’encre intimistes composent un parcours qui prolonge les recherches de l’artiste autour du mouvement, de l’apesanteur, de la lévitation et des vides. « OUSSS », terme inventé par KOO JEONG A, se décline en son, substance, être ou lieu tout à la fois physique et mental, territoire personnel et mouvant.

KOO JEONG A réalise fréquemment des œuvres in situ qui associent forces invisibles et phénomènes naturels – gravité, champs magnétiques, phosphorescence – à des idées spéculatives, des imaginaires étranges et des souvenirs intimes. Déployée sur deux niveaux de La Tour, l’exposition comprend [KANGSE SpSt] (2024), une figure en lévitation diffusant des odeurs qui nous accueille dans le Drum de LUMA Arles, et une série de sculptures en bois finement façonnées selon la logique du ruban de Möbius. Les installations dialoguent avec l’esthétique monumentale de Frank Gehry et l’histoire d’Arles, donnant lieu à un jeu subtil d’échos et de reflets. Les sculptures rocheuses in situ [EVER] [VAST] (2025) résonnent avec la structure sinueuse de La Tour, elle-même inspirée par les amas de rochers élancés des Alpilles voisines. [SEVEN STARS] (2020), une série de peintures luminescentes, évoque quant à elle inévitablement La Nuit étoilée (1889) de Van Gogh.

Par des gestes imperceptibles et des installations immersives à grande échelle dans l’espace public, KOO JEONG A tisse des cosmologies sensibles qui troublent nos perceptions habituelles du temps, de l’espace et de la matérialité, ouvrant des portails vers des dimensions alternatives. L’univers d’« OUSSS » dessine un espace énigmatique où s’entrelacent matières telluriques et cosmiques, invitant à repenser notre relation aux éléments invisibles qui forment notre réalité.

De la Lune à l’étoile du berger, de la constellation de la Grande Ourse aux anneaux de Saturne, la voûte céleste et les astres qui l’habitent font l’objet d’une immense fascination.

L’exposition « Lire le ciel » porte sur l’appréhension du ciel nocturne en Méditerranée. Des premiers relevés du ciel mésopotamien antique à la vogue de l’astrologie contemporaine, en passant par l’astronomie arabe médiévale et la révolution galiléenne, les sociétés du bassin méditerranéen se sont référées aux astres pour se situer dans le cosmos et s’organiser sur terre. Savoirs et croyances ont circulé entre les rives, fondant une culture commune du ciel qui nourrit toujours notre approche contemporaine des astres.

À travers ce dialogue entre les arts et les sciences, l’exposition vise à questionner notre lien actuel au ciel étoilé. Depuis l’Antiquité, l’observation de la régularité des astres permet d’organiser la vie quotidienne, par exemple de se repérer pour les déplacements ou d’établir un calendrier. Les phénomènes célestes sont également interprétés comme des signes ayant une influence sur la vie quotidienne: phases de la lune, passages de comètes, mouvements des planètes devant les constellations, etc. Ce lien entre le macrocosme et le microcosme a eu un rôle dans la gestion des États et des gouvernements ou dans l’étude des comportements individuels, astronomie et astrologie ayant longtemps fonctionné de concert.

Si l’astronomie a participé à remettre en question nombre de ces croyances, la culture populaire continue de tisser un lien intime avec les étoiles, envisageant le ciel comme un support de projection de ses questionnements profonds. Aujourd’hui, alors que les étoiles s’effacent sous la pollution lumineuse des villes, nous continuons à chercher des yeux les constellations, à contempler la beauté du ciel étoilé et à penser avec lui notre rapport à l’environnement. Le parti pris de l’exposition est de toujours considérer le ciel vu depuis la terre.

L’exposition présente des objets exceptionnels témoins de cette histoire, mis en regard avec des oeuvres d’art contemporain qui leur répondent. Dans une approche transdisciplinaire, « Lire le ciel » mêle objets archéologiques, scientifiques et ethnographiques avec des oeuvres d’art, des manuscrits et du patrimoine oral. Elle présente plus de cent oeuvres des collections du Mucem et bénéficie de plus de deux cents prêts issus de collections nationales, territoriales ou internationales.
Commissaires :
Juliette Bessette, historienne de l’art, Université de Lausanne
Enguerrand Lascols, conservateur du patrimoine, Pôle Vie domestique, Mucem

Mécénat Bertin Winlight Technologies
à des collections publiques et privées canariennes, marocaines et françaises, ainsi qu’à des artistes.
Commissariat :
Salima Naji, architecte DPLG et docteure en anthropologie
Alexis Sornin, directeur des musées Yves Saint Laurent Marrakech et Pierre Bergé des arts berbères
Exposition conçue en partenariat avec la Fondation Jardin Majorelle, musée Pierre Bergé des arts berbères à Marrakech.

Pendant plusieurs soirées consécutives,Sofiane Pamart transformera chaque lieu en un véritable écrin musical.


Dans des cadres intimes et prestigieux, soigneusement sélectionnés, laissez vous emporter par l’émotion intense et la virtuosité de cet artiste hors du commun. Surnommé le Piano King , Sofiane Pamart vous invite à une immersion totale dans son univers musical, où chaque soirée promet d’être une expérience unique.

Après le succès de son premier spectacle, Thomas Marty revient sur scène pour nous raconter ses nouvelles aventures.

Compagnie : Jean-Philippe Bouchard Productions

Avec : Thomas Marty

Les rendez-vous du mardi changent de lieu et d’horaire.

- Mardi 7 octobre à 18h à la galerie de l'histoire :"La tragédie de Marseille de 1943".Conférence et débat.
Cette rencontre avec le collectif Saint-Jean, qui œuvre contre l’oubli de la tragédie marseillaise du 24 janvier 1943, sera l’occasion d’évoquer les rafles, les destructions et les déportations qui frappèrent le quartier populaire de Saint-Jean.
Avec Antoine de Gennaro, Antoine Mignemi, président, et Pascal Luongo, vice-président.

- Mardi 4 novembre à 17h à la galerie de l'histoire : "Le Fort de Bouc, un territoire aux confins de Martigues". Conférence.
Très tôt, le fort de Bouc tient une place stratégique dans la défense des côtes et de l’arrière-pays, en contrôlant la "mer de Caronte". La cartographie le montre bien .
Elle traduit des préoccupations militaires et commerciales. Les archives quant à elles retranscrivent les éléments imposés à la Communauté sur le territoire tels que
l’entretien des troupes et des chemins d’accès.
Conférence par Claude Pribetich-Aznar, architecte du patrimoine.

Née en 1919 dans le sud rural de l’Autriche, Lassnig mena une carrière de soixante-dix ans dans les domaines de la peinture, du dessin et du film d’animation. S’appuyant sur la relation profonde qui unissait Lassnig et le commissaire Hans Ulrich Obrist, cette présentation souhaite raviver l’attention portée par le public français à l’œuvre novatrice de l’artiste, laquelle a façonné l’histoire de l’art moderne et contemporain par le concept de conscience du corps (Körpergefühl) et son engagement féministe. Sa dernière exposition personnelle en France eut lieu en 1999 à Nantes, au Musée des Beaux-Arts de Nantes et au Fonds Régional d’Art Contemporain des Pays de la Loire.

Dans les premières réalisations de Lassnig, les influences expressionnistes et surréalistes prédominent, suivies par celles de l’Art informel et de la Nouvelle Figuration. Ces mouvements ont nourri la démarche de Lassnig, fondée sur la représentation des sensations internes du corps plutôt que par l’apparence extérieure. Les couleurs y vibrent, et les figures jaillissent d’une compréhension du « micro-monde des millions de neurones », inatteignable par tout dispositif photographique. Considérée comme l’une des plus grandes peintres autrichiennes depuis Egon Schiele et Oskar Kokoschka, Lassnig fit l’objet de plus d’une centaine d’ouvrages. Elle a également inspiré le film biographique Sleeping with a Tiger, présenté en avant-première à la Berlinale en 2024, ainsi que la pièce de théâtre Alte Meisterin. Lassnig/Beresin/Bitzan, 2024. Figure de proue de l’art d’après-guerre, elle demeure un jalon essentiel de l’évolution de la peinture européenne.

Hans Ulrich Obrist découvrit l’œuvre de Lassnig durant son enfance, en se procurant une carte postale reproduisant l’une de ses toiles, soigneusement rangée par la suite dans son « musée-boîte à chaussures » artisanal. En 1986, à dix-sept ans, il prit un train de nuit pour l’Autriche, où il fit la connaissance de Lassnig dans son atelier de la Maxingstrasse à Vienne. À cette époque, l’artiste enseignait la peinture et le film d’animation à l’Université des arts appliqués. Lassnig initia Obrist à l’œuvre de la poétesse autrichienne Friederike Mayröcker, l’incitant à approfondir sa lecture. Plus tard, elle facilita la rencontre entre Obrist et Mayröcker, qui devint une proche jusqu’à son décès en 2021.

De 1993 à 2014, Lassnig et Obrist échangèrent régulièrement des lettres et se retrouvaient fréquemment dans l’atelier viennois de l’artiste. En 1993, lorsque Kasper König invita Obrist à codiriger l’exposition The Broken Mirror dans le cadre du Wiener Festwochen (Festival de Vienne), les peintures de Lassnig ainsi que le film The Ballad of Maria Lassnig, 1992, projeté à l’ouverture, formèrent un pilier majeur de cette rétrospective consacrée à la peinture.

En 2000, Obrist aida Lassnig à publier ses journaux intimes de 1940 à 1997, révélant l’ampleur de ses doutes artistiques et l’évolution de sa pratique singulière axée sur la conscience du corps. Bien que Lassnig fût généralement réservée quant aux entretiens officiels, elle l’autorisa en 1999 à la filmer, inaugurant une série de conversations enregistrées jusqu’en 2012. Par la suite, en 2005, il collabora avec Daniel Birnbaum et Akiko Miyake afin de sélectionner Lassnig pour le projet Safety Curtain de museum in progress à l’Opéra d’État de Vienne, reproduisant sa peinture à l’huile Frühstück mit Ohr, 1967.

Lorsque Obrist a rejoint les équipes de la Serpentine en 2008, il organisa avec Julia Peyton-Jones une exposition d’envergure à la Serpentine Gallery, grâce au soutien de Maja Hoffmann. Une décennie plus tard, en 2017, après l’avoir conçue avec Maria Lassnig, Obrist finalisa à Athènes une exposition posthume centrée sur la passion de l’artiste pour la mythologie grecque et guidée par un titre poétique emprunté à Friederike Mayröcker : The Future Is Invented with Fragments from the Past (Le futur est inventé avec des fragments du passé). Après sa disparition, Obrist demeura proche de la Maria Lassnig Foundation, siégeant brièvement à son conseil consultatif (depuis 2016) et participant au jury du Maria Lassnig Prize, créé à l’initiative de l’artiste avant son décès pour encourager des artistes peu connu·es du public.

Réunies pour la première fois en un même lieu, l’exposition à LUMA Arles présente les entretiens vidéo entre Lassnig et Obrist, ainsi que leur vaste correspondance classée par ordre chronologique. Parmi les œuvres exposées figurent des peintures issues des expositions The Broken Mirror et de la Serpentine Gallery, du projet pour l’Opéra d’État de Vienne, et des peintures et aquarelles présentées à Athènes. Parallèlement au film biographique The Ballad of Maria Lassnig, le film Selfportrait, 1971, illustre l’exploration pionnière de Lassnig dans le domaine de l’animation au sein de la scène féministe new-yorkaise des années 1970. À noter que deux toiles de Lassnig furent présentées pour la dernière fois en France lors de l’exposition Action, Gesture, Paint : Women Artists and Global Abstraction 1940-1970, en 2023, à la Fondation Vincent van Gogh à Arles, un hommage à l’admiration qu’elle portait à van Gogh, qu’elle qualifia de « dieu expressionniste » lors d’un entretien de 2008 avec Obrist. En écho à la formule « Vivre avec l’art empêche de se faner ! » qu’elle rédigea pour Hans Ulrich Obrist dans sa dernière lettre inachevée, datée du 11 janvier 2014, cette présentation met à l’honneur l’héritage vif d’une peintre dont les visions intérieures continuent de résonner dans les corps et les esprits.

Que reste-t-il de ses origines et de sa terre d’avant, quand on la quitte pour un nouveau pays où il y aura du travail ? Et comment apprend-on une nouvelle langue, une culture différente ? Ce bouleversement, de nombreux italiens et italiennes l’ont connu durant les Trente Glorieuses. Ils et elles ont quitté la Basilicata, la Toscane, les Pouilles… pour arriver en Suisse, en 1960. C’est à cette communauté des femmes que Massimo Furlan et Claire de Ribaupierre donne la parole dans cette pièce intime et puissante.

Pour faire des lasagnes, il faut un certain nombre d'ingrédients, il faut savoir prendre le temps, nécessaire à chaque étape. Un peu comme la vie de Giuseppina, arrivée en Suisse dans les années 60, à 17 ans. Après son installation, elle deviendra ouvrière en horlogerie, tout en étant mère et grand-mère. Son petit-fils Davide, amateur de drag et passionné de théâtre, est devenu comédien. Quant à Ali, il vient de Casablanca, est en quête de ses racines mais est constamment habité par le sentiment de ne pas pouvoir rester… Ensemble, Giuseppina et ses amies, Davide et Ali racontent, dansent et cuisinent pour dire la vie et ses vagues, tressent un héritage commun de gestes et de traditions. Par la musique, la famille, la nourriture, ils et elles nous livrent un pan de l'immigration italienne dont on ne fait peu cas dans les livres d’histoires.

ORIGINE DU PROJET

« Avec Les Italiens, en 2019, nous nous sommes demandés comment des hommes avaient quitté leur lieu d’origine – la Sicile, les Abruzzes, la Calabre,…–, et étaient arrivés en Suisse pour travailler dans les années 1960, sur les chantiers, dans la restauration. Comment ils avaient dû quitter leurs proches, comment ils s’étaient installés dans un pays nouveau, s’y étaient intégrés, avaient construit une famille et finalement étaient restés. Pour cela nous avons travaillé avec trois générations différentes sur scène: la génération des pères nés dans les années ’40, celle de leurs fils nés dans les années ’60 et une petite fille née dans les années ’90.

Mais quelle était la vie des femmes arrivées dans ces mêmes années ? Quelle place ont-elles trouvé en Suisse ? Comment ont-elles pu s’intégrer ? Ces questions nous ont sans cesse interpellés mais nous n’avons pas pu les traiter alors, la distribution étant liée à l’équipe des joueurs de cartes qui se retrouvaient les après-midi au Théâtre de Vidy, et qui étaient tous des hommes. Cette idée de parler depuis le point de vue des femmes nous est restée en mémoire. Et c’est à cela entre autres que nous voulons nous consacrer avec Le lasagne della Nonna. Mais nous voulons aussi ouvrir sur des questions plus larges qui concernent la place que chacun ou chacune trouve ou ne trouve pas dans une communauté. Comment la communauté accueille-t-elle la diversité, la singularité, dans un sens large. »

À travers des installations immersives, ainsi que des peintures, des sculptures, des photographies et de nouvelles technologies, l’exposition rassemble un réseau de plus de cinquante artistes contemporain·es qui ont redéfini le développement des pratiques culturelles actuelles.

L’exposition entend examiner le caractère évolutif des œuvres d’art à travers des installations in situ proposant des approches inédites de l’exposition et de l’expérience esthétique. Son titre change au cours du temps, selon les suggestions des participant·es et des commissaires impliqué·es dans le projet.

L’exposition réunit pour la première fois des œuvres emblématiques de la collection de la Fondation Beyeler ainsi que des prêts de Maja Hoffmann / LUMA Foundation dans un accrochage unique pensé par Tino Sehgal, visant à matérialiser une réaction en chaîne, où chaque œuvre devient la continuation d’une autre. Photographies, peintures, sculptures se succèdent et se répondent selon des principes de différence et de répétition, abordant notamment le portrait, l’architecture, l’abstraction.

Déployée à travers la Galerie Principale de La Tour et autour de l’étang du parc paysager du Parc des Ateliers, Danse avec les démons propose une expérience multisensorielle, ludique et novatrice de l’œuvre d’art. Parmi les propositions, se trouvent des sculptures qui se regardent au lieu d’être face aux visiteur·euses, des œuvres qui réagissent à l’environnement, qui apprennent un langage ou qui influencent les rêves. Tel un organisme vivant, l’exposition offre une approche plus sensible de l’œuvre, donnant à voir l’image d’un monde mouvant, en perpétuelle transformation. Cette conception innovante des œuvres et de leur présentation interroge et réinvente les canons de l’exposition, ainsi que son histoire.

Une série d’installations de Carsten Höller, Adam Haar, Pierre Huyghe, Cildo Meireles, Federico Campagna, et Dozie Kanu cherchent à mettre en jeu les perceptions normatives du temps, de l’espace et de la réalité. Elles fonctionnent comme une invitation à la découverte et à l’imagination. Dans le parc paysager du Parc des Ateliers, autour de l’étang, les installations de Fujiko Nakaya, Precious Okoyomon et Philippe Parreno interagissent avec l’environnement, créant des expériences uniques qui répondent aux spécificités du parc.

L’exposition puise une partie de ses sources dans les projets expérimentaux réalisés, avec le soutien de LUMA Foundation, à Arles et dans d'autres villes au cours des quinze dernières années. Parmi ceux-ci, on peut citer Il Tempo del Postino (Manchester, 2007 ; Bâle, 2009), Vers la lune en passant par la plage (Arles, 2012), et Chroniques de Solaris (Arles, 2014). Le premier volet de Danse avec les démons a été présenté durant l’été 2024 à la Fondation Beyeler, à Riehen/Bâle.

En partenariat avec la Fondation Beyeler

Le circuit commencera sur le sentier du littoral et finira dans les Vieux Salins où de belles surprises vous attendront ! Ce sentier est étonnant par sa richesse ornithologique, mais aussi par ses paysages. De multiples sujets pourront être abordés du fait de sa grande diversité (érosion littorale, réchauffement climatique, biodiversité de la Méditerranée…). Un moment agréable pour se divertir, observer et mieux connaître son environnement.

Visite Esprit Parc national (Port-Cros).
Équipement fourni par le prestataire : Paire de jumelles, longue vue.

Matériel à prévoir par le client : Chaussures adaptées à la marche souhaitées. Prévoir anti-moustique.

Distance parcourue, 3.5 km. Dénivelé, 0.

Du haut de sa montagne, replié dans la vétuste fabrique à chapeaux qui lui sert de refuge, Tournepouce vit de cette insouciance là.

Seul, il passe ses journées à somnoler et vogue au gré de ses envies de nuages en nuées, nourrissant son imaginaire d’épopées fantaisistes pour lutter contre l’ennui.
Tantôt chantées, tantôt contées, ces rocambolesques péripéties nous invitent à tendre l’oreille aux murmures enjôleurs du vent, qui par une belle matinée d’été, s’en vint définitivement chambouler l’existence routinière de notre ami Tournepouce.

Conte musical, écrit, interprété et mis en scène par Barcella.
A partir de 5 ans.
Durée 30 minutes.